Il giardino delle vergini suicide a 25 anni dall'uscita
Non so perché non abbia mai visto prima di questa sera Il giardino
delle vergini suicide, credo di avere visto tutti i film di Sofia
Coppola, che adoro, tranne questo. Mi piacciono di lei anche i film
contestati, tipo Bling Ring o Somewhere, ma questo suo esordio è
potentissimo. La storia delle cinque sorelle suicide, perché soffocate
da una famiglia borghese tradizionalista americana, è super. Non è tanto
la storia, o almeno non solo la storia, magari già sentita in forme
diverse in molti film della contestazione, ma è lo stile. Si vede il suo
stile, che poi porterà avanti in tutte le opere successive. C'è uno
spirito anarchico e una cultura rock ben amalgamanti, da sembrare la
stessa cosa. La colonna sonora degli AIR è superba, ti resta dentro come
le immagini, le carrellate, i volti delle ragazze bionde, a partire
dalla più grande, interpretata da Kirsten Dunst allora diciassettenne,
diventata poi grande in altri film indimenticabili della Coppola (Marie
Antoinette su tutti). Perfetti nei ruoli di genitori conservatori il
grande James Woods e la brava Kathleen Turner. Anche loro volti che
restano impressi, come quelli dei ragazzini, inconsapevoli testimoni
delle tragedie, ma anche inconsapevoli della vita. Il giardino delle
vergini suicide è un film che ti resta dentro, anche dopo alcune ore.
Senti ancora la musica, quella musica, le immagini al rallentatore, le
festa a scuola. Uno dei migliori esordi della Storia del Cinema accanto a I 400 colpi di Truffaut. Ringrazio la Cineteca di Bologna per il
restauro a venticinque anni dall'uscita.
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postato da Alligatore @ 01:16
9 Commenti
Ho detto raccontare, ma ho usato un termine sbagliato per Soldini: i suoi film sembrano pezzi di vita che ci sono prima dell’inizio della narrazione e continuano dopo (fateci caso), ma non per questo sono dei documentari. Non è un entomologo che osserva la vita dell’impiegata annoiata, del marito pacioccone (Giuseppe Battiston il nostro Orson Welles) la cui massima trasgressione è leggere la biografia di Jim Morrison sognando un viaggio a Parigi sulla sua tomba, dell’amante di lei, cameriere tuttofare per tirare avanti la famigliola con moglie e due bambini. Soldini molto semplicemente piazza la cinepresa nella sua Milano per riprendere le cose mentre avvengono, come un Truffaut con la sua camera-stilo.
A differenza di Truffaut e di tantissimi bravi registi italici, gira però, con scioltezza e perfezione, scene di sesso senza timidezza, ma con il giusto rigore e la perfetta geometria. Dai baci dietro al portone, al primo rapporto interrotto nell’ufficio di lei, al motel con tanti specchi (viene in mente il bagno di Palazzo Grazioli), alla fuga in un paese esotico, non c’è un centimetro di carne in più e manco uno in meno. Metafora della nudità della classe media senza più nulla? Sarebbe troppo facile. È la storia che aveva davanti in quel momento, molto semplice.
Altro merito del regista milanese, e non da questo film, è il raccontare il mondo femminile come quasi nessuno mai (forse Truffaut). Non solo la protagonista, ma anche le altre donne della pellicola sono il vero motore di tutto. Mentre gli uomini sono passivi, giocano di rimessa, fanno gli spettatori, sono le donne a prendere l’iniziativa. Sono loro che vogliono di più. Non è quindi una domanda “Voglio di più?”, ma un’affermazione… di libertà, di ricerca della felicità proprio oggi, con la crisi e tutte le balle che ci girano attorno: vogliamo il pane e le rose e i tulipani. Da qui nasce lo scontro, da qui può nascere una nuova narrazione.
Parlando sul blog con alcuni musicanti, dicevo che le loro canzoni mi ricordavano il cinema di Mazzacurati e di Soldini. Devo dire di aver trovato conferma di questo guardando Cosa voglio di più. Non solo per il brano di Battisti all’origine del titolo, ma perché ogni pezzo di film potrebbe ispirare una canzone di una giovane band: i trentenni di oggi, la fuga, una vita noiosa da cambiare, lui e lei contro tutto/tutti, il sesso, un viaggio lontano, il lavoro che non c’è, il lavoro pagato poco. Pure la colonna sonora richiama certo pop-rock intimista di casa nostra. Del resto una canzone registra le cose mentre avvengono, che poi continuano anche quando è finita … come un film di Soldini. 
In analisi finale, ho trovato il film anche molto politico, senza la pesantezza del cosiddetto film-impegnato. Come detto prima, piazzando la cinepresa in un punto della città si possono mostrare cose senza voler dimostrare nulla, ma alla fin fine facendolo. Mi spiego: mostrare dei personaggi che tradiscono nonostante la crisi economica, e sono costretti a fare delle acrobazie economiche (non solo fisiche) per farlo, è, oggi, intrinsecamente politico; nel Palazzo del potere, almeno quello filtrato dal gossip dell’ultimo anno, fanno di tutto e di più senza badare a spese. Altra scena emblematica è quella del marito cacciato dalla moglie, costretto a vivere in auto (tragica realtà per molti, non per tutti, sottolineo, non per tutti). Da vedere assolutamente, come il Draquila in uscita oggi (l’altra faccia della stessa medaglia?).
